Année du spectacle : 2026

Épopée théâtrale qui nous transporte du Xème siècle à aujourd’hui, le spectacle nous entraîne dans l’histoire méconnue, fantasmée et singulière du Bois de Boulogne où se croise une multitude de personnages : Philippe le Bel, William Shakespeare, Napoléon Bonaparte…etc. À travers ce récit épique, c’est une histoire de Paris et de la France qui se raconte devant nous.

« Ce texte est né de mes rencontres avec Eric Levert (Chef jardinier du Jardin du Pré Catelan) et de toute l’équipe des jardiniers du Pré Catelan (Mathieu, Kym, Frédérique… ), Joseph Santucci (Ingénieur des Services Techniques et des Ressources humaines à la DEVE pour le Bois de Boulogne), Brigitte Serres (Ingénieure Forestier) et Bernard Moulin (Ancien chef jardinier du Pré Catelan) qui avec une grande générosité ont pris le temps de répondre à mes questions.Merci à toutes et à tous de m’avoir fait confiance. Je les en remercie chaleureusement. »

Hédi Tillette de Clermont-Tonnerre

La pièce été écrite en 2022 dans le cadre des résidences d’écriture mis en place par le Théâtre de Verdure du Jardin Shakespeare.

Les résidences d’écriture – Chaque année, à partir du mois de janvier, un auteur ou une autrice est invités à écrire sur le Bois de Boulogne. Certains textes issus de ces résidences sont ensuite créés au Théâtre de Verdure. Nous sommes très sensibles au travail de symbolisation d’un territoire à travers l’écriture théâtrale et à l’écho qu’il peut avoir sur le public.

Carmen, une jeune comédienne, débarque dans un cercle de parole avec une urgence : raconter son parcours semé de désillusions, tant amoureuses que théâtrales. A travers trois héroïnes shakespeariennes — Juliette (Roméo et Juliette), Héléna (Le Songe d’une nuit d’été) et Olivia (La Nuit des rois) —, elle exorcise ses histoires d’amour et son désir viscéral de jouer. Le spectacle mêle scènes classiques et improvisations, et intègre le public comme partenaire de jeu ; une invitation à la joie et à la libération, qui rend Shakespeare accessible à toutes et tous et montre l’étonnante modernité de ses questionnements sur l’amour.

Shakespeare Love interroge les figures féminines de Shakespeare à la lumière des expériences amoureuses d’aujourd’hui : la passion extrême, le désespoir, le désir au-delà du genre. Comment parler d’amour aujourd’hui ? Quelle nouvelle façon d’aimer est possible ? Les situations que traversent les héroïnes de Shakespeare sont universelles. Elles interrogent nos relations amoureuses aussi bien à l’époque élisabéthaine qu’aujourd’hui.  

Shakespeare Love est une performance joyeuse, drôle et immersive, une célébration du théâtre.

« A quinze ans, l’une des premières pièces de théâtre qui m’a marqué a été Le songe d’une nuit d’été, présenté au Théâtre de Verdure du Jardin Shakespeare. J’avais trouvé incroyable, à l’époque, ce théâtre en plein air, au milieu de la nature, écrin idéal pour faire résonner cette pièce féérique du dramaturge anglais. J’avais l’impression que le lieu avait été imaginé pour la pièce. »

Ana Lorvo

« J’ai un rêve depuis que j’ai commencé le théâtre. J’ai grandi entre Nice et l’arrière-pays niçois dans un village qui s’appelle Gars. J’ai alors cultivé un amour pour la nature, les grands espaces, et les étoiles. Je voudrais un jour créer un festival de théâtre en plein air dans mon village d’enfance et le théâtre de Verdure en serait première marche.
Quand Ana m’a proposé de l’aider pour son projet Shakespeare Love, j’ai tout de suite dit oui car nous avions travaillé ensemble deux ans au Conservatoire Régional de Paris. J’avais été sa réplique pour les concours et elle m’avait été d’une grande aide pour une scène de Lucrèce Borgia de Victor Hugo. Ce que j’aime chez Ana c’est qu’elle se jette avec beaucoup d’intensité dans chaque scène.

Travailler avec Ana, c’est découvrir quelque chose que je connais moins, la dimension tragique des pièces shakespeariennes, et la volonté de s’en saisir à bras le corps. »

Simon Dufour

Il y a des textes que l’on lit et qui nous marquent, et puis il y a ceux qui nous dépossèdent, qui nous volent nos propres mots pour nous les renvoyer avec une précision troublante. Lettre au père de Franz Kafka fait partie de ceux-là.

En le découvrant adolescent, j’ai eu l’impression d’entendre ma propre voix, de lire une lettre que j’aurais pu écrire, que j’avais peut-être déjà écrite, en silence. Je retrouvais dans ses mots une douleur qui résonnait avec la mienne, un combat intérieur familier, une lutte inachevée. Son père ressemblait étrangement au mien. Son impuissance face à lui, je la connaissais déjà.

Kafka analyse avec une grande précision les ressorts profonds de la domination paternelle, mais aussi ses propres contradictions, naviguant entre la soumission et la révolte, entre l’accusation et la justification. Mais au-delà du tragique, il y a aussi une ironie mordante : celle d’un fils écrasé par un père qui, dans son intransigeance, devient presque grotesque.

Jouer cette lettre aujourd’hui, c’est reprendre ce dialogue impossible, le faire entendre, le confronter au silence qui l’a étouffée. C’est donner corps aux mots de Kafka et, à travers eux, à cette tentative de se libérer d’une ombre qui nous a façonnés. Lettre au père de Franz Kafka n’est pas seulement l’histoire d’un homme face à son père, mais celle de chacun face à ses héritages, à ses entraves, à son besoin d’émancipation. Un miroir où chacun peut reconnaître sa propre quête de légitimité.

Quatre amis se retrouvent chaque année pour redonner vie et fêter leur ami d’enfance si mystérieux. Ce sera pour eux l’occasion de revivre une année bien particulière.

Depuis toujours Nono n’a qu’une idée en tête : faire une gigantesque fiesta pour ses dix ans avec sa bande amis. Parce que 10 ans, c’est un âge important, lumineux où l’on n’est plus tout à fait très petit mais pas encore tout à fait trop grand, où l’on peut parler comme les adultes, aller seul à la boulangerie acheter le pain, donner la main à celui ou celle qu’on aime sans rougir. Nono a d’ailleurs prévu de faire un discours sur le monde, tel qu’il le voit et le rêve..

Seulement quand la tempête Marie-Thérèse débarque et fait souffler sur le pays ses bourrasques furieuses, tout est remis en question. Les autorités ordonnent aux citoyens de rester chez eux. La bande de copains se retrouve enfermée dans leur immeuble. Ils s’amusent alors à imiter les adultes, obligés de sortir pour se ravitailler, lestés de sacs de farine ou de boules de pétanque pour ne pas s’envoler.

Mais progressivement avec l’intensification de la tempête, la peur les gagne. Nono, seul dans l’immeuble d’en face communique avec ses copains en leur lançant des boulettes de papier. Hors de question pour lui d’annuler son anniversaire. Les copains s’interrogent :Faut-il braver la bourrasque mortelle pour célébrer Nono ou s’enfermer à quadruple tours chez soi ? Dix ans, au fond, ça compte vraiment ? Comment se dire « je t’aime » s’il n’y a plus de fiesta !

Écrite pendant la période de la pandémie et du confinement liés au Covid, FIESTA aborde avec poésie et humour des sujets importants comme la peur, la mort, le courage, la désobéissance, l’amour et la solitude.Elle célèbre également la force des rituels que sont les fêtes d’anniversaire, que ce soit aussi bien pour les enfants que pour les adultes .L’histoire de Nono s’adresse à tous en sublimant l’amitié et la force de l’imagination.

L’écriture nerveuse, rythmée et drôle de Gwendoline Soublin nous emporte et offre aux spectateur.ice.s une expérience collective.

Grâce à l’ingénieux Ariel, esprit de la forêt au service de Prospéro, le roi, sa troupe et les marins naufragés sont dispersés dans une île peuplée d’esprits. Le temps d’un après-midi, sous le charme des lieux, ils errent, se perdent, se croisent, et un instant, dans cet espace de sortie du monde que représente l’île magique de Prospéro, le cours habituel du monde rebat ses cartes. Tandis que certains tentent de revêtir les habits du pouvoir et que d’autres cherchent leur chemin vers la liberté, tous avancent en terre inconnue hors de leurs repères habituels, comme ils traverseraient un rêve.

Tragi-comédie où les rôles se renversent, jeu de miroir offrant une réflexion passionnante sur le pouvoir, la servitude et la liberté, le langage et la compassion, La Tempête est un conte sur l’humanité.

Dans une mise en scène créée pour le Théâtre de Verdure et mettant spécialement en valeur le plus grand des instruments à cordes de l’orchestre, La Contrebasse est une confession aussi touchante qu’hilarante.

Celle d’un contrebassiste classique, troisième pupitre d’un grand orchestre allemand.
Celle de sa passion et de sa haine pour son instrument.
Celle de son amour impossible pour une jeune et formidable soprano qui ignore totalement son existence.

Tour à tour sublime et pathétique, savant et hébété, drôle et bouleversant, voici un homme envahi par des émotions et des sentiments bien trop grands pour lui, aussi encombrants que cette contrebasse à qui il consacre sa vie, au point de le faire basculer devant nous dans la folie.

Pour personnifier cette contrebasse envahissante, Nicolas Senty est accompagné d’une contrebassiste émérite, Esther Brayer, première contrebassiste solo de l’Opéra National de Bordeaux.

Du simple pincé de corde jusqu’à La Truite de Schubert, en passant par des compositeurs célèbres ou obscurs, ils offrent un duo organique et une Contrebasse de Patrick Süskind comme elle n’a jamais été entendue.